2014年10月12日，隔天就是西方的感恩节，这天也是刘文佳在武汉举办独奏音乐会的日子。武汉的地标性建筑——琴台音乐厅里，筹备和演出井然有序。没有铺天盖地宣传，但在音乐会当天，这位演奏家依然吸引了一众来自全国各地支持她的人。在热爱和了解古筝的观众心里，她始终占据一席之地。

今天，一张叫做《生长》的专辑将再次呈现这场音乐会。就像专辑名称一样，这些年她未停止“生长”。继北京之后，武汉是另一个与她产生交集的地方。她在武音任教，传道授业，在这里生活、创作，从完全陌生到与这座城市发生千丝万缕的关系。她的成长伴随着环境和身份的转变，发生了新的化学反应。
她在音乐会上介绍《柳青娘》时说：“在我中学、大学、研究生以及任教的不同阶段，都演奏过这首作品。我接触了很多筝届老前辈、民间艺人、我的老师们，还有一些民乐老唱片，他们都给了我传统音乐演奏的宝贵经验。但是今天我要演奏的版本将更多从自己的视角出发，去表达我对传统、对潮州地域文化的认识。我也想借这首作品的演奏，来表达我对传统、对过去时代深深的怀念与不舍。”

她把生命不同阶段的感受，收藏在她的音乐宝盒里，恰逢时宜，一点点剥开，展露给观众。通过音乐，也通过语言。

她的导聆，成为这场音乐会的焦点之一。


音乐会上，刘文佳没有邀请主持人，而是自己充当导聆的角色。摈弃曲高和寡，她把演奏的体会：怎么弹的，为什么要这样弹，以及弹的时候想到的场景和画面，用最平实的语言与观众交流。她知道作为演奏者，在面对观众时，比报幕的主持人更有发言权，也更应该发言。一些生涩、深刻的作品，在她的导聆下，揭开了舞台与观众之间那层薄纱。

在专辑里，她有心将这些话转为文字，即“佳‘谈’作品”部分。观众和读者通过这些词句，将可以更加清晰阅读她对音乐的理解与阐释。

音乐会从选曲、练习、到上台，每一步都精心准备，从她为音乐会准备的作品便可以感受到。这些创作出自具有国际影响力的中国作曲家之手，这些曲子没有一首诗轻易能够练就，从技术和音乐上是需要探索，并挑战自我的。
姊妹篇《吹响的经幡》《风中的圣咏》，是秦文琛先生近年创作的一组古筝独奏作品。作品创作思路和音响效果在筝乐领域具有颠覆性突破。两首作品采用完全相同的定弦，将古筝的21根弦调成了带有微分音的单音，这些音在四个八度的范围内被分成五组。与此同时，在琴码的左边还获得了一组完整的西方早期教会调式音阶，这一调式的中心音恰好与琴码右边的单音相同。由此一来，琴码的右边是具有喇嘛教音响特征的单音音群，而琴码左边则是具有西方宗教色彩的教会调式音阶。

《吹响的经幡》全曲采用琴弓拉奏，而《风中的圣咏》则将琴弓放下，用手掌以及肉指在筝码两侧拨弄出带有宗教色彩的声音。作品的音响会令你感到惊艳，里面你可以寻到一些未曾听到却又十分向往的东西，而演奏者几乎要耗尽心力，才足以表达它所蕴含的张力。在这两首作品里，你可能很难像欣赏其他作品一样，去寻找每个句子具体表达什么情节，它是成片的音响营造出一种氛围式的色彩。就像悬挂在山头的风马旗，一片小小的旗子调动不了我们任何情绪，也难以寻找它被赋予的意义。但当一串串旗子被串联在一起，在不同的山头迎风飞舞，它便寄托着藏人的信仰，即便你不在那里生活，当站上广阔的山头，你的内心也将瞬间被治愈。你很难说清是大山、是风，还是这些飞舞的经幡让你的心情发生变化。 其他作品也让人印象深刻，谭盾先生在上世纪80年代为古筝创作的室内乐作品《南乡子》，朱世瑞先生为二胡和古筝而作的民族室内乐作品《水想2》，唐建平先生创作的筝独奏《自鸣系列2》，以及传统筝曲《柳青娘》（活五调）。每一首作品，刘文佳都试图找到自己的表达方式，她思考这些音乐与她周遭生活是怎样产生碰撞和联结。这些音乐从她手中淌过，带着她的所思所想。

音乐会的最后一部作品《生长》，是近年来刘文佳不断在探索的一种表演形式——筝乐演奏剧场。2013年，她发起组建“无界筝乐表演艺术实验室”，联合当代青年演奏家以及她的学生，尝试筝乐剧场作品的创作和表演。在剧场表演中，演奏不再是整个作品全部，还将舞台环境空间、文学、肢体、戏剧、舞美等融入。作品没有固定模式，不给表演者和观众设限，每位表演者都有可能成为创作者，互相激发。
这张专辑里，她创作的《生长》首次与观众见面。作品试图探讨个体的生长，以及个体与他者、群体、环境之间的关系。剧中，共有5位演奏者，分饰不同角色。这些角色都有着鲜明的性格，有容易焦虑的－来回不停行走，有高傲的－抬起头颅，还有平静的－独自面对自己，也有神经分裂的。我们每天都有可能遇到其中任意一种人。有时，这些性格又会被集中在一个人身上，面对复杂的自己，我们还要学会如何自处，在不断挣扎的过程中，感受当下，感受生长。

舞台上还发生着哪些未知的、令人惊喜的事情，等你翻开才见真晓。当我们遇见好音乐时，所能做的最正确的事，就是闭上嘴，安静听，因为一个人无法仅靠阅读文字就能够体会音乐的魅力。